Alphonse Mucha


Alphonse Mucha nació en Moravia (Checoslovaquia). Trabajó como decorador teatral en Viena. Más tarde estudió en Praga, Munich y París, donde obtuvo el éxito y reconocimiento que se extiende hasta el día de hoy. Fue uno de los artistas más destacados del periodo Art Nouveau. Durante la década de 1890 realizó los carteles de las actuaciones teatrales de la Bernhardt y quien junto al propio Théâtre de la Renaissance ocuparía un lugar privilegiado gracias a la mediación de un contrato de exclusividad pactado entre ambos artistas y que tuvo una duración de 6 años. Para las obras del Théâtre de la Reanaissance Mucha no sólo realizó los carteles sino también el diseño del vestuario y las escenografías. 

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Para este entonces, era ya un artista completo, destacando también en la pintura y el diseño de joyas e interiores exóticos. Entre 1903 y 1922 visitó Estados Unidos en cuatro ocasiones. Bajo el mecenazgo del industrial de Chicago Charles Richard Crane, pintó La epopeya del pueblo eslavo (1912-1930), una serie de 20 cuadros de gran dimensión que posteriormente presentó en la ciudad de Praga. En todas estas áreas, su trabajo se ha caracterizado por la gran abundancia de elementos ornamentales, así como por la presencia idealizada de la joven muchacha, retrato estilizado del ideal de belleza de la época; sinuosas flores, arabescos y otros adornos, a menudo inscrita en la composición vertical característica del artista, con figuras a escala casi natural y el texto en los márgenes superior e inferior. Así pues su alusión al arte neogorito y secular, denota también influencias del arte asiático, especialmente del Ukiyo-e (arte del grabado en madera japonés) el cual a fines del siglo XIX contaba con una alta aprobación por parte de los artistas europeos. No obstante lo anterior, nada influenció el trabajo de Alfonse Mucha de manera tan dramática como la obra de los artistas simbolistas, con quienes mantuvo contacto durante su estadía en París y de donde muy seguramente importó la abundancia de flores en la composición, el aire nostálgico y la imagen de la doncella hermosa, a medio camino entre la mujer fatal y la virginal princesa.
Actualmente, su influencia se hace notar tanto en el mundo del diseño como en el de la ilustración, las historietas y el arte ornamental.

Antonio Parreiras —


Antonio Diogo da Silva Parreiras, nace en 1860 y fallece en 1937. Inicio sus estudios de arte como un estudiante en el libre de la Academia Imperial de Bellas Artes, en Río de Janeiro en 1883, donde permaneció hasta mediados de 1884.
En 1888, viajó a Italia y asistió a la Accademia di Belle Arti di Venezia, llegando a ser un discípulo de Filippo Carcano (1840-1910). De vuelta en Brasil, en 1890, dio clases den  Aiba, pero después de dos meses dejo el curso y fundó la Escuela de estar al aire libre, en Niterói, Río de Janeiro y comenzó a escribir la crítica de arte para el periódico del Estado Sao Paulo. 

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En 1902, abrió un taller de pintura que enfrentan las mujeres y en 1903 organizó una exposición de los trabajos de los estudiantes. Estuvo un tiempo en la selva del Amazonas donde contrajo malaria. en Portugal y Francia participo como miembro de  la Fundación e Historia Geografía de Río de Janeiro. Parreiras fue un artista de talento superior. La audacia de su carácter se reflejo en su trabajo. Expuso su obra en Brasil y varios países europeos. Recibió una medalla de oro del Cónsul General de Suecia y Noruega, en agradecimiento por la presentación de la Bahía de Guanabara, desde la Fortaleza de Santa Cruz, por encargo por colonia sueca; y en 1911 recibió el título de delegado de Société Nationale des Beaux Arts, rara vez concede a los extranjeros.
Hasta 1919 viajo con frecuencia a París, donde tenía su estudio. Fundó el Salón de Bellas Artes de Fluminense, en Niteroi, en 1929 e instalo su casa-estudio, en la misma ciudad en 1941, la que después se transformo en el Museo Antonio Parreiras, con el objetivo de preservar y difundir sus obras.

 

Mr. Wenner


Kurt Wenner, nació en Ann Arbor, Michigan.  A los 17 ya trabajaba como artista gráfico. Trabajó para la NASA como ilustrador científico, creando bocetos para proyectos espaciales del futuro. En 1982 dejó la NASA y se trasladó a Italia para estudiar arte. Viviendo en Roma estudió los grandes maestros, su inclinación artística lo llevó hacia el arte figurativo neoclásico que le ayudó a desarrollar su particular estilo; tiene el don, de transformar el pavimento urbano en un lienzo sobre el que plasma maravillosamente escenas mitológicas, futuristas, alegóricas e incluso surrealistas.

En una ocasión Mr. Wenner vio un artista italiano afanarse con tizas de colores sobre una acera. Al preguntarle al original pintor qué es lo que estaba haciendo, éste le contó que la pintura en la calle nació en el siglo XVI en Italia, gracias a los Madonnaris eran artistas vagabundos que viajaban de pueblo en pueblo realizando ilustraciones de la virgen María (la Madonna, de ahí su nombre) en cualquier superficie disponible, y se procuraban sustento gracias a las monedas que los transeúntes les arrojaban, ya fuera por su habilidad o por devoción a la virgen María y tras ver algunas de las ilustraciones de Wenner, el artista italiano lo invitó a terminar de dibujar la cabeza de un ángel mientras él asistía a la iglesia. Desde ese momento Kurt Wenner, comenzó por si solo el renacimiento de una práctica artística casi perdida. 

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Wenner, adaptó su propia técnica a la anamórfosis, mediante la cual, con cuidadosa planeación y una gran vision espacial, logra imágenes de una cualidad tridimensional cuando el espectador las aprecia desde la perspectiva correcta; aunque su obra no es duradera por los elementos de la naturaleza y el tiempo, el opina que  “Es como asistir a un recital sinfónico. Cuando la música termina todos parten con un recuerdo de la música. Mi obra es similar, sólo que la que queda es una impresión visual. Y así como un disco ayuda a preservar el momento, siempre fotografío mis pinturas cuando termino”.

Rob Hefferan…

Rob Hefferan…


Es un artista nacido en Manchester, en 1968, Desde el principio fue un espíritu libre. Desesperado por hacer una carrera artística, solo encontró desaliento en cada esquina, exceptuando su profesor de arte que reconoció que sus dibujos infantiles de dinosaurios eran algo bastante especial. Haciendo caso omiso de los consejos de sus mayores, obtuvo una plaza en la universidad para sacarse un titulo en ilustración, pero después de un año, empezó a sentirse desilusionado por las limitaciones del curso y decidió seguir solo.
El pasó un año difícil elaborando un portafolio, busco trabajo aprovechando sus habilidades como diseñador para poder financiarse su sueño de ser artista. Su excepcional versatilidad como diseñador e ilustrador le llevó a conseguir un mayor número de contratos importantes, que iban desde campañas de publicidad de alto perfil a portadas de libros para niños. Pronto se encontró en una gratificante posición económica que le permitiría hacer aquello con lo que realmente disfrutaba. Sin embargo nunca dejará que el éxito le desvié de su objetivo original de convertirse en un artista a tiempo completo, y continuaba gastando gran parte de su tiempo libre pintando.
Sus pinturas de son de una elegancia y brillantez espectaculares. Divide sus acrílicos en tres series, “Elegance”, “Desire” y “Dance”. Su pintura figurativa es de un realismo abrumador, casi fotográfico. 

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La figura femenina es el eje central de su obra, a pesar de que aparecen varias figuras masculinas, casi siempre más como acompañamiento que como personaje principal. La figura femenina no está sola en los cuadros, estos se encuentran cargados de detalles, luces y sombras que dan al conjunto un aspecto cinematográfico entre comedia romántica unas veces y de novela negra otras. Una obra intimista y llena de sensualidad que complementa con un buen número de ilustraciones y dibujos.

Paqui S. Caro

Paqui S. Caro


Paqui S. Caro, nace en Villarrobledo (Albacete),desde muy temprana edad muestra un gran interés por el dibujo, el cual lleva a cabo a través de piezas sencillas y concisas realizadas a lápiz o tiza. Temas en los que a menudo predomina la figura y el retrato abundan en su obra primigenia, que más tarde evolucionaría de forma autodidacta y experimental, sustituyendo el lápiz por el óleo.
Este primer acercamiento se traduce en una dinámica exploración del color y sus propiedades, del cuerpo humano, los volúmenes y las expresiones del rostro en un estilo cercano al realismo, con matices musicales y tímidamente expresionistas. Participará en varias exposiciones colectivas a nivel local, y en 1981 es seleccionada en la Segunda Bienal de Pintura de Villarrobledo con su insólito Kamara.
En 1984 interrumpe su investigación pictórica para dedicarse de lleno a su familia. Tras dos décadas no del todo exentas de creación, retoma la pintura en el 2004 y se afilia al grupo de pintura Zarcillo, compuesto por Sixto López y Ceferino Martínez entre otros profesionales del medio. Su trabajo en la actualidad bebe de situaciones cotidianas, encontradas al azar o provocadas, y expresa momentos cargados de intercambio social o reflexiones en torno a la subjetividad. En octubre del 2007 recibe el primer premio en el certamen “La Mujer del Siglo XXI” (Instituto de la Mujer de Villarrobledo, Albacete) con Show Me.

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J. Singer Sale

J. Singer Sale


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Pintor norteamericano. Recibió su primera formación artística en Roma en 1868, que posteriormente amplió en la Academia de Bellas Artes de Florencia entre 1870 y 1873. Finalmente, en 1874 consiguió entrar en París en el taller del retratista Emile Auguste Carolus-Duran, al tiempo que asistía a clases en la Escuela de Bellas Artes. A partir de 1877 comenzó a exponer en el Salón.
En 1884 presentó el Retrato de Madame Gautreau, que se conserva en el museo metropolitano de Nueva York, el cual provocó tal escándalo que le obligó a abandonar Londres. En 1887 trabajó con Monet en Giverny, y realizó su primer viaje profesional a América. Expuso en los Salones de París y en los de Certámenes Universales de la capital francesa, en 1889 y 1900. En 1897 fue elegido académico de la Academia Nacional de Diseño de Nueva York y de la Real Academia de Arte de Londres.
Al inicio del nuevo siglo Sargent fue reconocido como el retratista más internacional. Su clientela formaba parte de los más influyentes y aristocráticos círculos de su tiempo. Admirado por su deslumbrante y virtuosa técnica pictórica, fue modelo para una generación entera de retratistas norteamericanos. En 1906 abandonó el retrato y se dedicó a la pintura en acuarela, cultivando una amplia gama de temas.
Aunque fundamentalmente residió en Londres, Sargent contribuyó al desarrolló cultural de América y ejecutó importantes murales para la Biblioteca Pública de Boston, el Museo de Bellas Artes de Boston y la Biblioteca Widener de la Universidad de Harvard.

Henri Matisse

Henri Matisse


Tipo francés que nace en 1869. Aunque conocido fundamentalmente como pintor, fue también un excelente escultor y dibujante. A lo largo de su dilatada carrera recibió las influencias de diversos movimientos del siglo XIX (Neoclasicismo, Realismo, Impresionismo y Post-Impresionismo) que transformó en un lenguaje moderno. Los maestros a los que más estudió fueron Poussin, Chardin, Watteau, Courbet, Manet y Cézanne.
Su posición histórica como iniciador del Fauvismo no debe oscurecer sus logros personales al margen de un movimiento que, en realidad, duró poco y no tuvo programa. Su rival en magnitud e influencia fue Picasso, con quién mantuvo una distanciada relación de amistad y respeto durante muchos años. Los temas principales de su pintura fueron la naturaleza muerta, el paisaje, el desnudo femenino y su propio entorno.
Inicio estudios de jurisprudencia en París, mas los interrumpió por una enfermedad y durante su convalecencia empieza a pintar. Entro en el Estudio de Gustav Moreau, en la Escuela de Bellas Artes, pintura  específicamente.
Su primera exposición data de 1896-97 en el Salón de la Sociedad Nacional, se interesa por la pintura impresionista. En 1898 viaja a Londres, animado por Pissarro, y allí descubre la obra de Turner; también visita Córcega y Toulousse. Las obras producidas durante estos viajes son las conocidas como protofauvistas, por la riqueza de su colorido y el grueso empaste; son fundamentalmente paisajes.
Después se inicia en la escultura siguiendo las enseñanzas de Rodin. En 1901 expone en el Salón de los Independientes y conoce a Vlaminck. Reconoce que la obra de Vlaminck y Derain es cercana a la suya y en 1903 participa en el Salón de Otoño junto a Camoin, Derain y Manguin. En 1904 pinta Lujo, calma y voluptuosidad, que será adquirido por Signac, donde muestra su interés por las teorías y técnicas del divisionismo, que muy pronto abandonaría en favor de la exaltación del color y del sentimiento propios del fauvismo. Matisse utiliza aquí el color en todas sus posibilidades expresivas. En 1907, por medio de Gertrud Stein, conoce a Picasso y realiza su primer viaje a Italia. 

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En 1908, ilusionado por transmitir sus ideas a los artistas más jóvenes, abre una academia que sólo mantendría hasta 1911 y realiza su primera exposición individual en Nueva York, en la galería de Alfred Stieglitz. En este mismo año pinta su famosa obra Armonía en Rojo, una escena de interior con naturaleza muerta, figura y paisaje visto a través de la ventana, donde Matisse trata de dar a este tema la grandiosidad que normalmente sólo se reservaba a los desnudos; el interior está decorado con un arabesco que se refleja en las formas del paisaje, en el fondo, que se presenta como un preludio de lo que más tarde realizaría en África. En 1916 comienza en su obra una etapa de intimismo, con interiores, desnudos, odaliscas y naturalezas muertas como temas predominantes.
En 1940, tras la derrota francesa, Matisse piensa en emigrar a Brasil, pero finalmente retorna a Niza. En 1944 su mujer es arrestada y su hija deportada, Matisse se vuelca en su arte. Al finalizar la guerra, expone con Picasso en el Victoria and Albert Museum de Londres.
Fallece en Niza en 1954.